متحف جيه بول جيتي

متحف جيه بول جيتي


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

يقع متحف جيه بول جيتي في ماليبو ، كاليفورنيا ، على قمة تل في جبال سانتا مونيكا ، قبالة طريق سان دييغو السريع. اعتبر الفن تأثيرًا منيرًا. أدت وجهة نظره إلى إنشاء المتحف ، فمتحف جيتي ، الذي تم بناؤه لأول مرة في عام 1971 ، يقدم مجموعة جيتي للفن الغربي من العصور الوسطى حتى الوقت الحاضر ، على خلفية العمارة الدرامية والحدائق الهادئة والإطلالات الخلابة على ضواحي لوس أنجلوس - المحيط الهادي وجبال سان غابرييل وشبكة الشوارع الواسعة في المدينة ، هدفها جعل المجموعة جذابة وذات مغزى للزوار من خلال تقديم وتفسير المقتنيات. تشمل المجموعات لوحات أوروبية ورسومات ومخطوطات ونحت وفنون زخرفية وصور أوروبية وأمريكية ، وقد بدأ المتحف مجموعات لوحاته في الثلاثينيات تحت القيادة الذكية لجيتي نفسه. تعرض المجموعة الواسعة النطاق لوحات من عصر النهضة الإيطالية الشمالية ، ولوحات باروكية من إيطاليا وفلاندرز ، وأعمال هولندية من القرن السابع عشر ، وأعمال فرنسية من القرنين الثامن عشر والتاسع عشر. يحتفظ قسم الصور بتسع مجموعات والعديد من الصور الأخرى التي تم الحصول عليها في عام 1984. الرسومات بقلم بول غوغان وفنسنت فان جوخ ، ومؤخراً رسم نادر لمايكل أنجلو ، أضفى بعض الرهبة على المتحف. تشمل مجموعات بول جيتي للنحت الأوروبي قطعًا متلألئة من عصر النهضة الإيطالية والفرنسية والبريطانية الكلاسيكية الجديدة ، وقد صقل متحف جيتي شهرة المتحف ، كما أنشأ صندوق متحف جيتي معلمًا ثقافيًا آخر عندما افتتحوا متحف جي كمركز تعليمي ومتحف ، Getty Villa مكرس لدراسة فنون وثقافات اليونان القديمة وروما. الحفظ هو مسؤولية أساسية لمتحف J. Paul Getty وعنصر أساسي في مهمة المتحف.


* آنية خزفية ذات طلاء زجاجي معتم من أكسيد القصدير ، وعادة ما يكون مزخرفًا بدرجة عالية.


مركز جيتي

ال مركز جيتي، في لوس أنجلوس ، كاليفورنيا ، هو حرم متحف جيتي وبرامج أخرى تابعة لـ Getty Trust. افتتح المركز الذي تبلغ تكلفته 1.3 مليار دولار للجمهور في 16 ديسمبر 1997 [2] وهو معروف جيدًا بهندسته المعمارية وحدائقه ومناظره المطلة على لوس أنجلوس. يقع المركز على قمة تلة متصلة بمرآب للسيارات للزوار في أسفل التل بواسطة محرك قطار متحرك مكون من ثلاث عربات يسحب الكابلات. [3]

يقع المركز في حي Brentwood في لوس أنجلوس ، وهو واحد من موقعين لمتحف J. Paul Getty ويستقطب 1.8 مليون زائر سنويًا. (الموقع الآخر هو جيتي فيلا في حي باسيفيك باليساديس في لوس أنجلوس ، كاليفورنيا.) يتميز فرع المركز من المتحف بلوحات ورسومات ومخطوطات مزخرفة ومنحوتات وفنون زخرفية وصور من ثلاثينيات القرن التاسع عشر. خلال يومنا هذا من جميع أنحاء العالم. [4] [5] بالإضافة إلى ذلك ، تشتمل مجموعة المتحف في المركز على منحوتات خارجية معروضة على التراسات والحدائق والحديقة المركزية الكبيرة التي صممها روبرت إيروين. من بين الأعمال الفنية المعروضة لوحة فنسنت فان جوخ قزحية.

تم تصميم الحرم الجامعي من قبل المهندس المعماري ريتشارد ماير ، ويضم أيضًا معهد Getty Research Institute (GRI) ومعهد Getty Conservation Institute ومؤسسة Getty Foundation وصندوق J. Paul Getty Trust. تضمن تصميم المركز أحكامًا خاصة لمعالجة المخاوف المتعلقة بالزلازل والحرائق.


الحياة الشخصية لجيه بول جيتي

أدى هذا النجاح إلى الاهتمام ، وهذا الاهتمام & # 8211 خاصة من النوع الأنثوي & # 8211 وتزوجت جيتي ما مجموعه ثلاث مرات خلال عشرينيات القرن الماضي وحدها. كان والده ، الذي نشأ نجاحه في الأعمال التجارية ، منزعجًا جدًا من طبيعة ابنه المتسكعة ، ولم يترك له سوى جزء بسيط من ثروته البالغة 10 ملايين دولار عند وفاته. لا يعني ذلك أن جيتي # 8211 كان مليونيرًا في حد ذاته بحلول ذلك الوقت ، متفوقًا حتى على والده.

ومع ذلك ، قبل وفاته في عام 1930 مباشرة ، نُقل عن والد جيتي جورج قوله إن تهور ابنه وتقلبه وهوسه بالمال سيؤدي في النهاية إلى تدمير الشركة التي بنوها معًا. ومع ذلك ، فإن الاستثمار الذكي ومهارات العمل شهدت ازدهار جيتي الأصغر سناً. لقد نجا من العاصفة المالية للكساد العظيم بشكل مثير للإعجاب ، واستحوذ على شركات النفط من Tidewater Oil إلى Pacific Western Oil Corporation & # 8211 ، حيث قام بتنمية وتزايد أعماله حتى امتدت ليس فقط أمريكا ، ولكن العالم.


إمبراطورية النفط

بعد التخرج ، عادت جيتي إلى الولايات المتحدة وبدأت العمل في البرية ، وشراء وبيع عقود إيجار النفط في أوكلاهوما. بحلول عام 1916 ، كان جيتي قد جنى أول مليون دولار له من بئر ناجح ، وتعاون مع والده لتأسيس شركة Getty Oil Company. مع ثروته الجديدة ، تقاعد لفترة وجيزة في حياة ترفيهية في لوس أنجلوس ، قبل أن يعود إلى أعمال النفط في عام 1919. & # xA0

طوال عشرينيات القرن الماضي ، استمر جيتي ووالده في جمع الثروة من خلال الحفر والسمسرة الإيجارية. & # xA0 عندما توفي جورج في عام 1930 ، حصل جيتي على ميراث بقيمة 500000 دولار وأصبح رئيسًا لشركة والده وأبوس للنفط ، على الرغم من احتفاظ والدته بالمصلحة المسيطرة.

في منصبه الجديد ، شرع جيتي في إعادة هيكلة وتوسيع الشركة لتصبح شركة مكتفية ذاتيًا & # x2014one قامت بكل شيء من الحفر إلى التكرير إلى نقل النفط وبيعه. بدأ في شراء والسيطرة على شركات أخرى ، بما في ذلك & # xA0Pacific Western Oil و Skelly Oil و Tidewater Oil. & # xA0 بعد الحرب العالمية الثانية ، خاطرت Getty أيضًا من خلال استثمار الملايين في & quotNeutral Zone & quot بين الكويت والمملكة العربية السعودية. وقد آتت مقامرته ثمارها في عام 1953 ، عندما تم ضرب النفط وبدأ يتدفق بمعدل 16 مليون برميل في السنة.

في عام 1957 ، حظ سميت مجلة جيتي أغنى رجل في العالم. بعد عشر سنوات ، قام بتوحيد مصالحه التجارية في & # xA0the Getty Oil Company ، وبحلول منتصف السبعينيات ، قدرت ثروته الشخصية بما يتراوح بين 2 إلى 4 مليارات دولار.


تم بناء فيلا جيه بول جيتي ولكن لم يسبق لها مثيل

ومن المفارقات أن J. Paul Getty لم يرَ Getty Villa أبدًا. توفي بعد عامين من افتتاح متحفه للجمهور في يناير 1974 في مبنى جديد على غرار منزل روماني قديم فاخر. لم يكن إلا بعد وفاة جيتي في يونيو 1976 حتى عاد من ممتلكاته في إنجلترا إلى "مزرعته" على ساحل المحيط الهادئ: تم دفنه هناك على حافة العقار على قطعة أرض خاصة تطل على المحيط ، جنبًا إلى جنب مع ابنه الأكبر والأكبر. أصغر الأبناء ، جورج وتيموثاوس ، وكلاهما توفي قبله.

بعد تجديد وإعادة تركيب صالات العرض ، تفتح Getty Villa فصلًا جديدًا في تاريخها. على الرغم من أن جيتي لم تضع عينها على ابتكاره ، إلا أن قصة كيفية بناء الفيلا وتجميع مجموعته منتشرة في صالات العرض حتى يومنا هذا. مجموعة من الغرف التي تم تجديدها - المعارض من 105 إلى 108 - تشارك هذا التاريخ. تتميز الأعمال الفنية القديمة التي اشتراها جيتي مع الوثائق الأرشيفية ، وتضع العروض الجديدة الأشياء في سياقاتها الثقافية وتسلط الضوء على علاقة جيتي الشخصية بمتحفه ومكان الراحة الأخير.

من منزل مزرعة إلى فيلا قديمة

اشترى جيتي المزرعة التي تبلغ مساحتها 64 فدانًا - والتي كانت ذات يوم جزءًا من رانشو بوكا دي سانتا مونيكا ، وهي منحة أرض مكسيكية تبلغ مساحتها 6656 فدانًا تعود إلى أوائل القرن التاسع عشر - بعد نهاية الحرب العالمية الثانية مباشرةً ، وكان يعتزم أن تكون بمثابة ملاذ في عطلة نهاية الأسبوع حيث زوجته الخامسة كان بإمكان ثيودورا ("تيدي") ركوب الخيل وعرض مجموعته الفنية المتنامية.

The Ranch House قبل التجديد ، بين عامي 1920 و 1945. معهد جيتي للأبحاث ، المحفوظات المؤسسية

كان يعرف المنطقة جيدًا ، لأنه كان يمتلك بالفعل منزلًا صغيرًا على الشاطئ في سانتا مونيكا القريبة ، على بعد خطوات فقط من المجمع المترامي الأطراف الذي بناه صديقه ومنافسه ويليام راندولف هيرست للممثلة ماريون ديفيز. (أصبحت ملكية Davies الآن هي Annenberg Community Beach House ، بينما تم استبدال منزل Getty الشاطئي بمجمع سكني كبير حديث ، 270 Palisades Beach Road.)

بعد شراء العقار ، أعاد جيتي تصميم "منزل المزرعة" المنخفض المتدلي ، مضيفًا قصة ثانية والعديد من الميزات على الطراز الإسباني. على الرغم من أن جيتي غادر الولايات المتحدة بشكل دائم في عام 1951 ، تاركًا تيدي وابنهما تيمي ، استمر في ملء منزل مزرعة بالأعمال الفنية ، وفي عام 1954 افتتحه للجمهور باسم متحف جي بول جيتي.

معرض كبير للآثار في Getty Ranch House بين عامي 1957 و 1974. في الطرف البعيد من المعرض يقف Lansdowne Hercules. معهد جيتي للأبحاث ، المحفوظات المؤسسية

بمرور الوقت ، أضاف إلى المبنى لاستيعاب مجموعته المتزايدة ، وبحلول أواخر الستينيات ، احتاج إلى مزيد من التوسع. وضع مهندسو Getty العديد من المقترحات في مجموعة متنوعة من الأساليب - الإسبانية والأوروبية والحديثة - والتي رفضها جميعًا. في النهاية ، قرر إنشاء نسخة طبق الأصل من فيلا دي بابيري القديمة في هيركولاينيوم ، والتي دُفنت في ثوران جبل فيزوف عام 79 بعد الميلاد.

لقاء التاريخ القديم والحديث

تتميز العديد من المعارض التي أعيد تثبيتها حديثًا في الطابق الأول من Getty Villa بأشياء تتحدث عن تاريخها القديم والحديث. معرض 105 ، المعروف باسم قاعة الرخام الملون ، يسيطر عليه تمثال من الرخام لكوكب الزهرة. اعترف جيتي بسهولة أنه "استمتع بصحبة النساء" ، وعندما افتتحت الفيلا لأول مرة في عام 1974 ، تم تخصيص معرض كامل لصور إلهة الحب.

عند التخطيط للعرض الجديد ، قررنا بالتالي أن يركز أول خزانتين مدمجتين في هذا المعرض على تمثيلات الزهرة في وسائط مختلفة: الطين والرخام والبرونز. أصغر شيء في العلبة ، وهو رأس برونزي مصنوع بدقة للإلهة ، كان مرتبطًا مرة واحدة بشكل أكبر ، وهو أمر رائع للحفاظ على قرط ذهبي بلؤلؤة واحدة. كانت اللآلئ ذات قيمة عالية في العصور القديمة ، كما هي اليوم ، وقد جلبت أسعارًا باهظة.

أكبر كائن في العلبة ، مجموعة الطين من a امرأة مستلقية على أريكة مع كيوبيد، لا يزال أكثر إثارة للاهتمام. إنها أول "العصور القديمة" التي اشتراها جيتي. في عام 1939 ، عندما كان في روما يغازل تيدي ، الذي كان يدرس ليصبح مغني أوبرا ، قدم عددًا من العطاءات الغيابية على سلع يتم بيعها من مجموعة أرستقراطية في لندن. كان مهتمًا بشكل خاص بالمفروشات ، ولكن في نفس الصفحة من كتالوج المزاد حيث أن بعض الأشياء التي رغب فيها كانت قائمة لهذا الطين. وقد ارتبطت بمثيلاتها الموجودة في موقع تاناغرا اليوناني في أواخر القرن التاسع عشر. كانت هذه الأعمال الفنية شائعة بين هواة الجمع لحيوية مؤلفاتهم والأفكار التي يبدو أنها توفرها في الحياة اليومية في العالم القديم.

تمثال صغير لامرأة مستلقية على أريكة مع كيوبيد، ١٨٧٥-١٨٩٠ ، ربما صنعت في اليونان. تيراكوتا ، صبغة ، وذهب ، 7 5/16 × 10 5/8 × 4 5/16 بوصة. متحف جي بول جيتي ، 78.AK.38. الصورة الرقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

تفاصيل نسخة J. Paul Getty الشخصية من كتالوج مزاد Sotheby's للمزادات من Cam House ، لندن. معهد جيتي للأبحاث

كما هو الحال مع جميع مشترياته ، كان جيتي ذكيًا ويسعى للحصول على أفضل سعر ممكن. لكن كتالوج مزاداته المشروح ، الذي أعيد اكتشافه في مجموعات مكتبة معهد جيتي للأبحاث من قبل مساعد متحف جيتي السابق لوري مارست كافي (الآن أمين كورنيليوس وإميلي فيرميول للفن اليوناني والروماني في متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) يكشف عن ذلك كان لدى جيتي نفسه شكوك حول أصالتها. في الهامش أسفل المدخل كتب ، "حديث؟" كانت التراكوتا تنتمي إلى مجموعة إنجليزية محترمة ، لذلك كان جيتي على استعداد لاغتنام الفرصة. ساد عرضه المنخفض البالغ 10 جنيهات إسترلينية ، ولكن تبين أن العصور القديمة الأولى له ليست من العصور القديمة على الإطلاق.

التاريخ معروض

هذه القصة وغيرها عن J. Paul Getty ونمو مجموعاته يتم سردها في عرض مبتكر في معرض 107. البناء على التثبيت المستمر جيه بول جيتي: الحياة والإرث في مركز جيتي ، يتيح هذا البرنامج التفاعلي ، المثبت جنبًا إلى جنب مع بعض المنحوتات القديمة المفضلة لدى جيتي ، للزوار استكشاف مئات الصور الأرشيفية والخرائط والرسوم البيانية والموارد الأخرى المتعلقة بأسرة جيتي وأعماله وأسفاره وتطوير مجموعاته واتخاذ قرار بشأنه. بناء الفيلا ، وإرث دائم.

The Lansdowne Hercules ، حوالي 125 م ، روماني. رخام ، 76 3/16 × 30 1/2 × 28 3/4 بوصة. متحف جي بول جيتي ، 70.AA.109. في الصورة في معبد هرقل (معرض 108).

في هذه الأثناء ، يظهر معرض 108 ، المعروف باسم معبد هرقل ، كما كان عليه قبل إعادة التثبيت ، لكنه يتميز الآن بإضاءة محسّنة وعزل زلزالي أصغر أسفل التمثال الشهير لـ Lansdowne Hercules. يتيح هذا التغيير مزيدًا من الأرضية الرخامية الرائعة متعددة الألوان لإظهار أنها نسخة طبق الأصل من أحد الاكتشافات الأولى التي اكتشفها حفاري الآبار الذين اكتشفوا فيلا دي بابيري في عام 1750. الفيلا القديمة هي نفسها محور مكعب تم تركيبه حديثًا قبالة الردهة مباشرةً ، جاليري 101C ، وسيكون موضوع معرض دولي للقروض في صيف 2019.

بينما لم يزر جيتي الفيلا أبدًا ، استمر إرثه. من اختياراته المعمارية إلى الأشياء التي جمعها ، يمتزج تاريخه في القرن العشرين مع تاريخ العصور القديمة ، مما أسفر عن قصص تأسرنا حتى اليوم.


جولة افتراضية في متحف جيتي

& # 8220 القناة الكبرى في البندقية من Palazzo Flangini إلى Campo San Marcuola & # 8221 بواسطة Canaletto

& # 8220 تم رسم القناة الكبرى في البندقية من Palazzo Flangini إلى Campo San Marcuola & # 8221 بواسطة Canaletto في عام 1738.

يُطلق على هذا التكوين اسم veduta (إيطالي لـ & # 8220view & # 8221) ، مما يعني رسمًا تفصيليًا للغاية ، وعادة ما يكون واسع النطاق لمنظر المدينة أو بعض المناظر الأخرى.

تصور هذه اللوحة التجارية الروافد العليا للقناة الكبرى في البندقية ، إيطاليا ، بالقرب من مدخل قناة كاناريجيو. كانت لوحات Venduta شائعة لدى السياح الأثرياء إلى البندقية في منتصف القرن الثامن عشر.

& # 8220 Modern Rome & # 8211 Campo Vaccino & # 8221 بواسطة J.M.W. تيرنر

& # 8220 روما الحديثة - كامبو فاكينو & # 8221 من قبل J.M.W. Turner هي رؤية للمناظر الطبيعية للمنتدى الروماني غير المكتشف ، ولا يزال يُطلق عليه Campo Vaccino بمعنى & # 8220Cow Pasture ، & # 8221 يتلألأ في الضوء الضبابي.

بعد عشر سنوات من رحلته الأخيرة إلى روما ، تصور تيرنر روما من ذاكرته. تتلاشى الكنائس والآثار القديمة داخل وحول المنتدى الروماني بألوان زاهية.

ضوء القمر يرتفع على اليسار. تغرب الشمس خلف تل كابيتولين على اليمين.

& # 8220Irises & # 8221 بواسطة فنسنت فان جوخ

& # 8220Irises & # 8221 هي واحدة من عدة لوحات لـ & # 8216Irises & # 8217 لفنسنت فان جوخ وواحدة من سلسلة من اللوحات التي رسمها في ملجأ في سان ريمي ، فرنسا ، في العام الماضي قبل وفاته.

في عام 1889 ، بعد عدة حلقات من تشويه الذات والاستشفاء ، اختار فان جوخ دخول اللجوء. هناك ، في العام الأخير قبل وفاته ، رسم أكثر من 120 لوحة.

بعد فترة وجيزة من دخوله المصحة ، بدأ فان جوخ Irises ، حيث عمل من الطبيعة في حديقة الملجأ & # 8217s. لقد أطلق على اللوحة & # 8220 ، موصل البرق لمرضي & # 8221 لأنه شعر أنه يمكن أن يمنع نفسه من الجنون من خلال الاستمرار في الرسم.

& # 8220 بعد الاستحمام ، امرأة تجفف ظهرها & # 8221 بواسطة إدغار ديغا

& # 8220 بعد الاستحمام ، تجفف المرأة ظهرها & # 8221 بواسطة إدغار ديغا عبارة عن صورة مستوحاة من امرأة راكعة على كرسي مغطى بالمناشف وهي تقوس ظهرها فوق مسند ظهر الكرسي كما لو كانت تلتقط شيئًا بيدها اليمنى .

هذه المطبوعة جزء من سلسلة من الصور والمطبوعات والرسومات والرسومات الأولية بألوان الباستيل والزيوت من قبل ديغا من هذه الفترة والتي تصور النساء أثناء عملية الاستحمام.

غالبًا ما استخدم ديغا الرسومات والتصوير كخطوة أولية لدراسة الضوء والتكوين للوحاته. هذا العمل جزء من سلسلة تصور النساء ، كما في هذا المثال ، في مواقف محرجة وغير طبيعية.

قال ديغا إنه ينوي خلق شعور في المشاهد & # 8220as إذا نظرت من خلال ثقب المفتاح. & # 8221

& # 8220Wheatstacks ، Snow Effect ، Morning & # 8221 بواسطة كلود مونيه

& # 8220Wheatstacks، Snow Effect، Morning & # 8221 بواسطة كلود مونيه هو جزء من سلسلة من أكوام القمح المقطوع. تتكون السلسلة من خمسة وعشرين لوحة قماشية ، بدأها مونيه قرب نهاية صيف عام 1890 ، وعلى الرغم من أن مونيه أنتج أيضًا لوحات سابقة باستخدام نفس موضوع المجموعة.

تشتهر السلسلة الانطباعية بكيفية تكرار مونيه للموضوع نفسه لإظهار اختلاف الضوء والجو في أوقات مختلفة من اليوم وعبر الفصول وفي العديد من أنواع الطقس.

سلسلة مونيه و # 8217s Haystacks هي واحدة من أوائل المسلسلات التي اعتمدت على تكرار موضوع لتوضيح اختلاف طفيف في إدراك اللون عبر الاختلافات في أوقات اليوم والفصول والطقس.

& # 8220 صورة من Halberdier & # 8221 بواسطة Pontormo

& # 8220 صورة Halberdier & # 8221 بواسطة Pontormo تصور شابًا يقف أمام جدار القلعة ، ممسكًا بمطراد.

المطرد هو سلاح ذو ذراعين استخدم بشكل بارز خلال القرنين الرابع عشر والخامس عشر ، وكانت القوات التي استخدمت السلاح تسمى هالبردير.

ومع ذلك ، فإن هوية الشخص ليست مطلقة ، كما أشارت سجلات فلورنسا إلى أنه خلال حصار فلورنسا عام 1528 ، رسم الفنان بونتورمو صورة لنبل شاب يدعى فرانشيسكو غواردي كجندي.

& # 8220Spring & # 8221 بواسطة إدوارد مانيه

الربيع من إدوارد مانيه يصور الممثلة الباريسية جين دي مارسي في فستان زهري مع مظلة وغطاء محرك على خلفية من أوراق الشجر المورقة والسماء الزرقاء ، تجسيدًا لفصل الربيع.

لقد تم تصويرها وهي متوازنة وتتطلع إلى الأمام مباشرة ، صورة انفصال على الرغم من أنها تبدو على دراية تامة بنظراتنا.

كانت هذه اللوحة هي الأولى من رُباعية مخطط لها من الأعمال الاستعادية باستخدام نساء باريسيات أنيقة لتصوير الفصول الأربعة. كانت الفكرة هي إنتاج سلسلة من المواسم تجسدها المثل العليا المعاصرة للمرأة والموضة والجمال.

لم تكتمل السلسلة مطلقًا ، وتوفي مانيه بعد عام من إكمال الجزء الثاني فقط من السلسلة ، الخريف.

كوروس اليوناني (متحف جيتي)

هذا الكورو اليوناني في متحف جيتي هو تمثال رخامي كبير الحجم لشاب عاري بلا لحية في وضع متقدم.

يُعطى المصطلح الحديث kouros (جمع kouroi) إلى المنحوتات اليونانية القديمة القائمة بذاتها والتي ظهرت لأول مرة في العصر القديم في اليونان القديمة وتمثل الشباب الذكور العراة. في اليونانية القديمة kouros تعني & # 8220 الشباب ، الصبي ، وخاصة من الرتبة النبيلة. & # 8221

تم العثور على مثل هذه التماثيل في جميع أنحاء العالم الناطق باليونانية. تم العثور على معظم هذا النوع في ملاذات أبولو.

& # 8220Spring & # 8221 لورانس ألما تيمادا

& # 8220Spring & # 8221 من تأليف لورانس ألما-تيديما يصور مهرجان Cerealia في شارع مدرج من الرخام الروماني الكلاسيكي. في الديانة الرومانية القديمة ، كان Cerealia هو المهرجان الرئيسي الذي يتم الاحتفال به لإلهة الحبوب سيريس.

أقيمت لمدة سبعة أيام من منتصف إلى أواخر أبريل ، وتظهر هذه اللوحة موكب نساء وأطفال ينزلون على درج رخامي يحملون ويرتدون أزهارًا زاهية الألوان.

يملأ المتفرجون الهتافون جميع نقاط الأفضلية للمباني الرومانية الكلاسيكية.

كان فضول Tadema & # 8217s حول العالم القديم لليونان وروما نهمًا ، وتم دمج معرفته في هذه اللوحة من خلال التفاصيل المعمارية واللباس والنحت والحلي التي تستند إلى أصول رومانية.

& # 8220 صورة لرجل & # 8221 بواسطة باولو فيرونيزي

& # 8220Portrait of a Man & # 8221 بواسطة Paolo Veronese يصور رجلًا متكئًا على قاعدة هيكل به أعمدة. في مكان بين الأعمدة يوجد تمثال رخامي لشكل رايات ، لا يظهر منه سوى الجزء السفلي.

هوية هذا الرجل غامضة ، ومع ذلك ، قد تشير القرائن في اللوحة إلى موضوع & # 8217 مهنة ، ربما نحات أو مهندس معماري.

& # 8220Euclid & # 8217 بواسطة Jusepe de Ribera

إقليدس بواسطة جوسيبي دي ريبيرا ، يصور & # 8220 والد الهندسة ، & # 8221 الخارج من الظلال خلف طاولة. قُدِّم على أنه عالم جليل يعرض كتابه البالي مع أشكال هندسية مختلفة وشخصيات يونانية زائفة.

ركز De Ribera كل مهاراته على تفاصيل وجه الرجل ، من اللحية غير المشذبة إلى ثنايا جبهته وثنيات الجفن فوق عينيه الداكنتين.

يصور كرجل بملابس ممزقة وأصابع سوداء قاتمة للتأكيد على إخلاص إقليدس & # 8217s للملاحقات الفكرية ، وليس المادية.

& # 8220Venus و Adonis & # 8221 بواسطة تيتيان

& # 8220Venus and Adonis & # 8221 بواسطة تيتيان يصور كوكب الزهرة وهو يحاول منع عشيقها أدونيس من الذهاب إلى الصيد. توتر كلابه في المقاود ، مرددًا نفاد صبره ، كما هو مفصل في Ovid & # 8217s Metamorphoses.

كيوبيد ينام في الخلفية ، رمزًا لمقاومة Adonis & # 8217s لعناق Venus & # 8217s. تروي القصة كيف في صباح أحد الأيام عندما غادرت الزهرة في عربتها المحمولة في السماء ، أثار كلاب Adonis & # 8217s خنزيرًا بريًا ينقلب عليه.

تسمع فينوس آهات أدونيس وتقفز من عربتها وتجده يحتضر. من دم حبيبها # 8217 ، تخلق زهرة هشة تتناثر بتلاتها في الريح ، تسمى شقائق النعمان & # 8217 زهرة الرياح & # 8217 باليونانية.

& # 8220 صورة ماركيز دي ميرامون & # 8221 جيمس تيسو

& # 8220Portrait of Marquise de Miramon & # 8221 من تأليف James Tissot يصور الماركيز مرتديًا ثوبًا ورديًا مكشكشًا. حول رقبتها وشاح أسود من الدانتيل وصليب فضي.

وخلفها شاشة يابانية عصرية تصور الرافعات على خلفية ذهبية ، وعلى رف الموقد العديد من الخزفيات اليابانية.

يشير كرسي لويس السادس عشر والتمثال النصفي المصنوع من الطين إلى وضعها الأرستقراطي. عُرضت هذه اللوحة في معرض باريس العالمي. تريز فويان (1836-1912) ورثت ثروة من والدها ، وفي عام 1860 تزوجت من رينيه دي كاساني دي بوفورت ، ماركيز دي ميرامون.

& # 8220 شارع موسنييه يرتدي الأعلام & # 8221 من إدوارد مانيه

& # 8220 شارع موسنييه يرتدي الأعلام & # 8221 بواسطة إدوارد مانيه يصور شارعًا باريسيًا ، مزينًا بالأعلام الفرنسية في أول عطلة وطنية ، والتي حدثت في 30 يونيو 1878. وكان يطلق عليه & # 8220Fête de la Paix ، & # 8221 أو باللغة الإنجليزية ، & # 8220Celebration of Peace. & # 8221

يمكن رؤية شارع موسنييه ، الذي يُطلق عليه الآن شارع Rue de Berne ، من استوديو Manet & # 8217s في 4 Rue de Saint-Pétersbourg. تُظهر هذه اللوحة القماشية المنظر من نافذة الطابق الثاني ، مع أعلام ثلاثية الألوان تتدلى من المباني على طول الطريق.

استحوذت مانيه على فترة ما بعد الظهيرة في النصف العلوي من التكوين بتناغم وطني بين ألوان الأحمر والأبيض والأزرق للعلم الفرنسي الذي كان يلوح على طول الشارع.

في النصف السفلي من التكوين ، يوجد رجل ذو ساق واحدة على عكازين ، ومن المحتمل أن يكون أحد قدامى المحاربين أصيب في الحرب الفرنسية البروسية. ويوجد في الأسفل رجل يحمل سلمًا ، وعلى اليسار يوجد سياج يمنع الركام من أعمال البناء.

كان الشارع الحضري موضع اهتمام الرسامين الانطباعيين والحداثيين. عكس مانيه تحول ونمو العصر الصناعي وكيف أثر ذلك على المجتمع.


الأصول القديمة لتاج الزهرة

تاج الزهرة هو اليوم إكسسوار عصري مرادف للمحتفلين في كوتشيلا وعرائس بوهو ، لكنه ليس جديدًا: ارتداء أوراق الشجر والزهور كغطاء للرأس له تاريخ غني يعود إلى العالم الكلاسيكي القديم.

منذ العصور القديمة ، كان الشكل الدائري أو حدوة الحصان لإكليل الزهور رمزًا للمجد والقوة والخلود. في اليونان القديمة وروما ، كانت العديد من التيجان مصنوعة من الصوف وأوراق الشجر مثل أوراق الآس واللبلاب ، وكانت مزينة بأزهار مختلفة ، والتي عقدت روابط مختلفة عبر الزمن.

غالبًا ما تم تمثيل الآلهة القديمة في الفن والأدب يرتدون نباتات محددة مخصصة لهم. في Ovid's التحولات ، تمكنت الحورية الجميلة دافني من الهروب من مطاردها ، الإله أبولو ، بتحويل نفسها إلى شجرة غار. يقطع أبولو غصنًا من الشجرة ويصرخ ، "على الرغم من أنك لا تستطيع أن تكون زوجتي ، يجب أن تكون على الأقل شجرتى ، سأرتديك دائمًا على شعري ، على جعتي ، يا لوريل." (557-559). إنه يحافظ على كلمته ، ونتيجة لذلك غالبًا ما يتم تصويره وهو يرتدي إكليل الغار كرمز لحبه لدافني. أبولو هو إله الشعراء والكتاب ، ومصطلح شاعر الحائز الذي نستخدمه اليوم يأتي من هذه الأسطورة.

ارتبطت أوراق الحور البيضاء مع هرقل ، الذي ، وفقًا للتقاليد ، استورد الشجرة إلى أولمبيا من شمال غرب اليونان.

هرقل يرتدي اكليلا من الزهور. تمثال هرقل ، 100-199 م ، روماني. رخام متعدد الألوان ، ارتفاع 46 بوصة. متحف جيه بول جيتي 73.AA.43.1. صورة رقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

قدم الإغريق القدماء التاج لأول مرة كمكافأة فخرية للفائزين في المسابقات الرياضية والعسكرية والشعرية والموسيقية. على سبيل المثال ، أقيمت الألعاب البيثية في دلفي كل أربع سنوات تكريما لأبولو ، وحصل الفائزون تقليديا على إكليل من الغار. تعود أصول شجرة الغار إلى منطقة البحر الأبيض المتوسط ​​، وقد كانت رمزًا مهمًا للنصر والإنجاز والمكانة.

كما تم منح أكاليل الزيتون للفائزين في المسابقات الرياضية ، مثل الشاب العاري الموضح أدناه. نمت أشجار الزيتون البرية في أولمبيا حيث أقيمت الألعاب الأولمبية ، وتم منح أكاليل الزيتون كجوائز للفائزين في هذه الألعاب. ربما كان عداءًا أو مصارعًا أو رافع أثقال يتوج نفسه أو يزيل إكليل الزهور ليكرسه للآلهة كدليل على التقوى.

شاب يتوج نفسه بإكليل من الزيتون. تمثال شاب منتصر ، 300-100 قبل الميلاد ، يوناني ، برونزي مع حلمات نحاسية مطعمة ، ارتفاع 59 5/8 بوصة. متحف جيه بول جيتي ، 77.AB.30. صورة رقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

بقيت رمزية إكليل الغار حتى يومنا هذا. ظهرت بشكل بارز في تصميم الميدالية لأولمبياد ريو 2016 ، على سبيل المثال.

واصل الرومان القدماء تقليد التاج كمكافأة على الانتصار. ألبسوا قادتهم وأفراد الجيش تيجان مصنوعة من الغار أو البلوط أو الآس. تاج العشب أو الهالة البقعية أرفع وسام عسكري يمنحه الجيش المحاصر للجنرال الذي حررهم. كانت مصنوعة من الحشائش والأعشاب والأزهار البرية المتجمعة في المكان الذي تعرض فيه الجيش للهجوم.

صورة لرجل يرتدي إكليل الغار ، مما يشير إلى أنه من المحتمل أن يكون برتبة عسكرية عالية. النقش ، من القرن الثامن عشر حتى القرن التاسع عشر ، أوروبا. متحف جيه بول جيتي ، 83. AL257.15 ، من إيلي جدة. صورة رقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

تم ارتداء تيجان الزهور أيضًا في الاحتفالات والاحتفالات ، تمامًا كما هي اليوم ، كانت مألوفة في المناسبات مثل التضحيات للآلهة والأعياد. في تصوير الرجال اليونانيين في الندوات (حفلات الشرب الأرستقراطية) غالبًا ما نرى شخصيات ترتدي أكاليل الزهور. لقد اعتقدوا أن ربط شرائح اللحم بإحكام حول رؤوسهم يمكن أن يخفف من سكرهم - على الرغم من أن رواد المهرجانات اليوم قد يختلفون. كانت هذه في الأصل مصنوعة من الصوف ولكن تم تزيينها فيما بعد بالزهور والبتلات من الورود والبنفسج والآس والبقدونس.

كأس النبيذ مع شاب ورجل ، 450-440 قبل الميلاد ، منسوبة إلى الرسام Euaion. تيراكوتا ، 15 9/16 بوصة بقطر. متحف جيه بول جيتي ، 86.AE 682. صورة رقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

في روما ، أقيم مهرجان فلوراليا على شرف فلورا ، إلهة الزهور والنباتات والربيع - لذا فليس من المستغرب أن تكون قطعة الرأس المصنوعة من بتلات الزهور والكروم المتشابكة هي الإكسسوار الذي لا غنى عنه. في هذا التمثيل لتمثال فلورا ، صورت وهي تحمل تاج زهرة.

تمثال فارنيز فلورا الصغير، 1871 ، وليام شافر. Woodburytype ، 4 3/4 × 3 11/16 بوصة. متحف جي بول جيتي ، 84.XB.935.23.3.83. صورة رقمية مقدمة من برنامج Getty’s Open Content

في أوروبا ، تم الاحتفال بهذا العيد الديني لاحقًا باعتباره عيد العمال العلماني. في لوحة ألما تاديما الخريفيمثل الفنان هذا الاحتفال وتقليد إرسال الأطفال لقطف الزهور في اليوم الأول من شهر مايو. موكب من النساء والأطفال يرتدون تيجان الأزهار الملونة ويحملون سلال من الزهور. كان ألما تاديما مهووسًا بالعالم القديم ، حتى أنه أقام هذا الاحتفال الفيكتوري في روما القديمة الخيالية.

موكب من النساء والأطفال يرتدون تيجان الزهور الزاهية الألوان. الخريف، 1894 ، لورانس ألما تاديما. زيت على قماش ، 70 1/4 × 31 5/8 بوصة. متحف جيه بول جيتي ، 72.PA.3. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Although the flower crown was popular in the ancient world, as Christianity spread it fell out of favor due to its association with pagan festivals. But it made a comeback in Renaissance art, as artists and scholars looked again to the classical past for inspiration.

In modern times we often see flower crowns used as a reminder of the ancient Mediterranean world. As just one example, German photographer Baron Wilhelm von Gloeden used the flower crowns in portraits he created of in Sicily, as a symbol of his subjects’ ancient heritage.

A boy wearing a lily wreath. Boy with Lillies, about 1890–1914, Baron Wilhelm von Gloeden. Toned gelatin silver print, 8 3/8 × 6 1/4 in. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.631.12. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program

Even the bridal crown, it turns out, has ancient roots. The Roman bride would wear a crown made of verbena that she herself had picked. In modern times, Queen Victoria made the practice fashionable by wearing a crown of orange blossoms in her hair on her wedding day to prince Albert on February 10, 1840. It was also during the Victorian era that interest in “floriography” rose, with women often depicted wearing flowers to communicate a personal attribute. The orange blossom, for example, is a symbol of chastity.

Portrait of a Bride with Orange Blossoms, 1907 – 1943, Louis Fleckenstein. Gelatin silver print, 9 7/16 x 7 in. The J. Paul Getty Museum, 85.XM.28.275. Digital image courtesy of the Getty’s Open Content Program.

Today the trend of wearable fronds and flowers continues in a variety of ways—as a symbol of victory, celebration, love, romance, or femininity, whether you’re wearing a wreath to a festival or donning a digital version on Snapchat.

Want to try it for yourself?

Try it at home with these YouTube tutorials.

قراءة متعمقة

A few good sources for delving deeper into the historical roots of the flower crown:


Ewan McGregor, 50, welcomes secret baby boy - and daughter lets slip the name

Hancock's wife �ook pals with mistress & thought marriage was happy'

اتبع الشمس

Services

& copyNews Group Newspapers Limited في إنجلترا برقم 679215 المكتب المسجل: 1 London Bridge Street، London، SE1 9GF. "The Sun" و "Sun" و "Sun Online" هي علامات تجارية مسجلة أو أسماء تجارية لشركة News Group Newspapers Limited. يتم تقديم هذه الخدمة من خلال الشروط والأحكام القياسية لشركة News Group Newspapers 'Limited وفقًا لسياسة الخصوصية وملفات تعريف الارتباط الخاصة بنا. للاستعلام عن ترخيص نسخ المواد ، قم بزيارة موقع النقابة الخاص بنا. عرض الحزمة الصحفية الخاصة بنا على الإنترنت. لاستفسارات أخرى ، اتصل بنا. لمشاهدة كل المحتوى على The Sun ، يرجى استخدام خريطة الموقع. يخضع موقع Sun الإلكتروني للتنظيم من قبل منظمة المعايير الصحفية المستقلة (IPSO)


خبر صحفى

J. PAUL GETTY MUSEUM ACQUIRES MAJOR 19 th -CENTURY LANDSCAPE PAINTING

BY ITALIAN ARTIST GIOVANNI SEGANTINI

The lush mountain scene was commissioned for American collector Jacob Stern

and was on public view in San Francisco for more than 70 years

Spring in the Alps, 1897
By Giovanni Segantini

On view at the Getty Museum, Getty Center, Los Angeles beginning February 12

LOS ANGELES – The J. Paul Getty Museum announced today the acquisition of Spring in the Alps, 1897, by Giovanni Segantini (Italian, 1858-1899). Originally painted for Jacob Stern, a San Francisco collector and director of Levi Strauss & Co, the painting has a long connection to California. It was on continuous loan to Legion of Honor in San Francisco from 1928 until it was sold by Stern’s descendants in 1999.

“Giovanni Segantini was at the peak of his career when he created this luminous panoramic scene,” said Timothy Potts, director of the Getty Museum. “Featuring his characteristic thick brushstrokes and brilliant color palette—which includes flecks of gold leaf—the painting is among the most extraordinary and captivating landscapes produced in Europe at the end of the 19th century. It will resonate powerfully alongside our great Impressionist and Post-Impressionist works from France and paintings by northern European artists of the era. Significantly, with this acquisition, Spring in the Alps finds a permanent public home in California, its original destination, and we hope museum-goers from San Francisco, where it was on view for more than 70 years, will visit the painting at the Getty when they are in Los Angeles.”

At more than four by seven feet, Spring in the Alps is a monumental, sweeping depiction of an alpine landscape near the village of Soglio in Switzerland, with its recognizable church tower visible on the right side of the picture. The view is of an expansive plateau and valley ringed by glaciers and majestic snow-capped mountains. In the middle of the composition a farm woman dressed in a blue and red peasant costume characteristic of eastern Switzerland leads two large horses past a watering trough. They are coming from a freshly plowed field where a sower scatters seeds and a black and white dog stands guard. The scene is sunny and colorful, emphasizing a glorious vista with a brilliant blue sky and ribbons of clouds.

Segantini painted the sizeable canvas in the open air, with additional work completed in the studio. He took liberties with the topography to suit his composition, adjusting the relative scale of the mountains, the perspective of the valley, and the position of the town. He created the vibrant color scheme and brilliant effects of light following the principles of Divisionism, the practice of juxtaposing pure local colors in the belief that the hues mix optically in the eye of the viewer, creating especially luminous effects. This pseudo-scientific movement in painting was first launched in France in the 1880s by George Seurat and Paul Signac, where it was dubbed “Neo-Impressionism.” The movement was subsequently adopted by Italian painters, with Segantini becoming a principal exponent. In contrast to Seurat’s pointillist brushstrokes, Segantini employed long, thin strokes of contrasting color. The rich impasto and the tactile, almost woven, quality of the painted surface, marvelously capture the crisp transparency of the atmosphere, the harshness of the rocks, the thickness of the grass, and the roughness of the skin of the animals.

Spring in the Alps is a joyous hymn to the cycle of life and the reawakening of nature in spring after a long, hard winter,” said Davide Gasparotto, senior curator of paintings at the Getty. “It is an extraordinarily accomplished work where symbolism and naturalism are inextricably intertwined. Segantini himself counted it among his absolute masterpieces. Panoramic in scale and astonishingly luminous, Spring in the Alps is one of the greatest paintings of the Italian Ottocento in America, an iconic work that expands our ability to tell the story of 19th-century European painting.”

Spring in the Alps was commissioned by the American painter Toby E. Rosenthal (1848-1917), who resided in Munich, for San Francisco businessman and collector Jacob Stern (1851-1927), whose father, David Stern, co-founded Levi Strauss & Co. Segantini exhibited the picture at the 7th Munich Secession in 1897 and then took the painting back to his studio in Switzerland where he made further adjustments. In early 1899 the picture was sent to San Francisco to be the centerpiece of Stern’s collection. It was so well known even then, that the painting’s rescue from the 1906 earthquake and fire was reported in the national press. Upon Stern’s death in 1927, and in accordance with his wishes, Spring in the Alps was loaned by his heirs to the California Palace of the Legion of Honor. There it stayed on public view for more than 70 years. In 1999 the estate of Stern’s heir sold the picture at auction in New York.

Born in Arco (Trento) in 1858, Giovanni Segantini counts among the most important Italian artists of his generation. He was internationally famous for his dreamy Alpine landscapes, which combine elements of Jean-François Millet’s reverent naturalism with Georges Seurat’s dappled Divisionist technique and the allegorical subjectivity of the work of contemporary Symbolists, from Gustav Klimt to Paul Gauguin. Segantini&rsquos work represents the transition from traditional nineteenth-century art to the changing styles and interests of the twentieth century.

Orphaned as a boy, Segantini was apprenticed to a photographer in Milan, where in 1873 he began attending night classes at the Brera’s Academy of Fine Arts. In the early 1880s, on the advice of the painter-dealer Vittore Grubicy de Dragon, he experimented with plein-air painting during an extended visit to the Brianza region. Marketed by Grubicy, with whom Segantini signed an exclusive contract in 1883, the resulting landscapes attracted international attention and quickly made their author’s fortune. Segantini settled in the picturesque Swiss valley of the Engadine, where he painted views of the surrounding mountains for the rest of his career, often carting his enormous canvases out into the elements to work directly from nature. Despite his somewhat remote location, Segantini kept abreast of the contemporary art scene, maintaining a lively correspondence with Gustav Klimt, Max Liebermann, and others, while his work was exhibited in London, Amsterdam, Paris, and Munich.

In 1897, Segantini was commissioned by a group of local hotels to build a huge panorama of the Engadin valley to be shown in a specially built round hall at the 1900 Exposition Universelle in Paris. Before it was completed, however, the project had to be scaled down for financial reasons. Segantini redesigned the concept into a large triptych known as Life, Nature, and Death (Museo Segantini, St. Moritz), which is now his most famous work. Eager to finish the third part of his large triptych, طبيعة سجية, Segantini returned in 1899 to the mountains near Schafberg. The pace of his work, coupled with the high altitude, affected his health, and in mid-September he became ill with acute peritonitis. Two weeks later he died at the age of 41. Two years later the largest Segantini retrospective to date took place in Vienna. In 1908, the Museo Segantini was established in St. Moritz, Switzerland.

Spring in the Alps joins another important work by Segantini in the Getty Museum’s collection, Study for “La Vita” (1897), a large pastel that parallels the painting’s composition and is dedicated to his friend Toby Rosenthal, who facilitated the commission of Spring in the Alps from Jacob Stern. In excellent condition, Spring in the Alps comes to the Getty in the elaborate frame that the artist originally designed for it. It will be put on exhibition in the Museum’s West Pavilion on February 12th, alongside other works of art from 19th century Europe.


The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

متحف جيه بول جيتي collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum’s mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


خبر صحفى

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs will be exhibited Alongside Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium

LOS ANGELES – From 1973 to 1984, Samuel J. Wagstaff Jr. (American, 1921-1987) assembled one of the most important private collections of photographs in the world. With more than 26,000 objects, the collection spans the experimental beginnings of photography in the nineteenth-century to the works of artists active in the 1970s and 1980s. In 1984 Wagstaff sold his collection to the J. Paul Getty Museum, and thirty-two years later it remains the Museum’s single largest holding of art from one source. The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs, on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center, features a selection of works from Wagstaff’s collection, offering a look at how his broad and idiosyncratic tastes helped to expand the photographic canon.

“The acquisition of Samuel Wagstaff’s collection of photographs in 1984 was a landmark event in the Museum’s short history,” explains Timothy Potts, director of the J. Paul Getty Museum. “In one move, the Getty became the custodian of one of the most important private collections of photographs in the world, thus setting the stage for the Museum to become, as it since has, one of the preeminent public photographic collections of the world. Wagstaff’s eye for quality and voracious appetite for collecting, ranging from Fox Talbot, Nadar and Man Ray to Lange, Arbus and Hujar, set him apart from his peers and fueled his reputation as a connoisseur and taste-maker in photography as a art form—a status that was still not yet universally acknowledged. This exhibition is the first to give Wagstaff’s critical role in photographic history its due."


Mrs. Herbert Duckworth, 1867. Julia Margaret Cameron (British, born India, 1815 - 1879). Albumen silver print. 34 x 24.9 cm (13 3/8 x 9 13/16 in.) The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Born into a socially prominent New York City family, Wagstaff attended Yale University and the Institute of Fine Arts at New York University before working as a curator at the Wadsworth Atheneum in Hartford, Connecticut, and the Detroit Institute of the Arts. While he was a champion of contemporary art and organized numerous innovative exhibitions, it was not until he met the artist Robert Mapplethorpe (American, 1946-1989) that he developed an interest in collecting photographs. The two met in 1972 and became lovers, with Wagstaff supporting Mapplethorpe’s fledging career and Mapplethorpe helping Wagstaff understand the value of photography as art. Within a few short years, Wagstaff became a preeminent collector in a still young market.

Wagstaff promoted photography as an art form by exhibiting, publishing, and lecturing on his collection. In 1978 he organized the exhibition Photographs from the Collection of Sam Wagstaff, which opened at the Corcoran Gallery of Art in Washington, D.C. before beginning a seventeen-venue tour. His reputation as an arbiter of taste provided an impetus for museums to collect photographs and for scholars to devote their studies to photography.

“In addition to frequenting auctions in New York, London, and Paris, Wagstaff would often troll secondhand shops and flea markets during his travels, and come back with shopping bags full of prints,” says Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum and curator of the exhibition. “Wagstaff had a knack for discovering photographs by unknown makers that were deserving of attention and was bold enough to hang these works next to those by the established masters.” The Wagstaff Collection is known for its quality and breadth, and the exhibition will include photographs by the medium’s pioneers, including William Henry Fox Talbot, Hill & Adamson, Gustave Le Gray, Nadar, and Julia Margaret Cameron. Wagstaff also had an eye for early twentieth-century photography, purchasing prints by Adolf de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, August Sander, Edward Weston, and Dorothea Lange. Contemporary photographs are represented in the collection with works by William Eggleston, Diane Arbus, William Garnett, Larry Clark, Jo Ann Callis, and Peter Hujar.

After Wagstaff sold his collection of photographs to the Getty Museum in 1984, he turned to nineteenth-century American silver, and quickly amassed one of the finest collections in the field. On view in the exhibition is a Gorham sterling ice bowl and spoon fashioned in the shape of blocks of ice with cast icicles and polar bear handles. Wagstaff pestered Mapplethorpe to photograph the ice bowl, so it could be reproduced in a catalogue for an exhibition of Wagstaff’s collection of silver at the New York Historical society (that photograph is on view in Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium). Sadly, the catalogue was never published and Wagstaff died from AIDS-related complications, just two months before the exhibition opened.

“The story of Wagstaff’s late-in-life interest in silver underscores the core values that made him successful as a collector of photographs,” adds Martineau. “He began with a medium that he thought was remarkable and undervalued, and put all of his resources into building a world-class collection.”

The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photographs is on view March 15-July 31, 2016 at the J. Paul Getty Museum, Getty Center. The exhibition is curated by Paul Martineau, associate curator of photographs at the J. Paul Getty Museum. The exhibition will be displayed in galleries adjacent to Robert Mapplethorpe: The Perfect Medium, also on view March 15-July 31, 2015 at the Getty and March 20-July 31, 2015 at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA). The Wagstaff exhibition will then travel to the Wadsworth Atheneum September 10-December 11, 2016 and the Portland Art Museum in Maine February 1-April 30, 2017.

The J. Paul Getty Trust is an international cultural and philanthropic institution devoted to the visual arts that includes the J. Paul Getty Museum, the Getty Research Institute, the Getty Conservation Institute, and the Getty Foundation. The J. Paul Getty Trust and Getty programs serve a varied audience from two locations: the Getty Center in Los Angeles and the Getty Villa in Pacific Palisades.

متحف جيه بول جيتي collects Greek and Roman antiquities, European paintings, drawings, manuscripts, sculpture and decorative arts to 1900, as well as photographs from around the world to the present day. The Museum&rsquos mission is to display and interpret its collections, and present important loan exhibitions and publications for the enjoyment and education of visitors locally and internationally. This is supported by an active program of research, conservation, and public programs that seek to deepen our knowledge of and connection to works of art.


شاهد الفيديو: J. Paul Getty